黑色背景的精妙艺术：捕捉光线，创造戏剧性 (黑色背景的精美图片)

文章编号：57787 / 分类：行业资讯 / 更新时间：2024-12-18 20:42:29 / 浏览：次

谈谈你对“艺术人像摄影”与“商业人像摄影”的认识

“艺术人像摄影”与“商业人像摄影”区别赏心悦目是一般大众也包括一般摄影师对人像摄影kj作精彩的人像摄影(20张)品的基本要求。无论是商业人像、家庭留念照、新闻人像乃至任何一个摄影领域中涉及的人像，无论是被摄者、摄影者和观看者，只要无特殊目的，无不希望看到赏心悦目的人像，而使观众、听众的身心得到愉悦是任何艺术形式最重要的目标之一。赏心悦目首先成为商业摄影师和顾客共同追求的目标。而现代摄影的发展从技术上以较轻易地解决了很多前辈摄影家很难或无法解决的问题，因而使实现赏心悦目这一境界变得相对轻松一些，对于商业摄影来说。这一境界的人像摄影作品，除了对摄影师本身的素质提出要求之外，还依赖于一些客观因素，如：优秀的化装师、美丽的服饰、精致的道具，高档的摄影器材、高级的灯光、设备先进的摄影棚，高级的照片后期加工系统、精美的装裱和精心的编辑策划等等。对于这一境界的人像摄影来说，非摄影本体语言过多的介入和摄影本体语言的淡化是最大的缺陷。所谓摄影本体语言就是摄影技术、艺术的独特表现手段，包括胶片的运用、曝光的控制、摄影用光和构图的经营等等。而非摄影本体语言主要是指原本对摄影起辅助作用的非摄影表现手段，如化装、服饰、道具等等。人像摄影在这些人像摄影中，摄影本体语言一般较为淡化，而在所剩无几的摄影本体语言中，绝大多数已成为一种固定的模式和套路，甚至还会有所扭曲。比如在用光上说，为了迎合大众口味，更多地采用了正面光和柔光；在曝光上说，为了使肤色显得更白，经常采用曝光过度的方法。但所有这些都是为了顾客，这是无可厚非的。赏心悦目就是使顾客和普通大众的身心得到愉悦，所以，这种人像摄影本身就是摄影艺术的重要组成部分，也正是这种赏心悦目的摄影作品把万千大众吸引到影楼里，而这成为中国摄影艺术尤其是业余摄影艺术发展的重要经济支柱。既然摄影作品具有吸引大众的能力，就说明摄影作品具有引导大众的审美倾向的能力。这种以赏心悦目为代表的商业人像摄影流行十年以来，大众的审美倾向已经在悄悄地发生改变。而且，近年来，随着一批极富艺术表现力的青年摄影师对商业摄影的突出贡献，使的目前的人像摄影正呈现蓬勃发展的态势。编辑本段惟妙惟肖摄影术的出现使得人像再现的“相象”问题变的轻而易举，当代人像摄影的发展又似乎脱离了这一发展方向，尤其是流行的当代商业人像越来越不象本人，而离惟妙惟肖的距离也显得更为遥远。这里的惟妙惟肖当然不仅仅是简单的“相象”，而是在赏心悦目基础上的神形兼似。这一境界的人像摄影作品，一般具有以下主要特征：　1：摄影本体语言和非摄影本体语言的正确运用摄影本体语言的运用不以是否赏心悦目为唯一依据，而以能否表现人物的神态特征为主要依据，用光自然考究，曝光准确，体现正常肤色及质感。化装道具不过分张扬和哗众取宠。化装的目的不时掩盖什么，而是要进行衬托，道具只是修饰而不是表现什么。 2：精妙的神态捕捉和眼神塑造神态的捕捉是摄影师永恒的主体，也是一幅人像摄影作品能否做到惟妙惟肖的关键。在柔美型的当代人像摄影中，应该说在这一点上做得是很不错的。在在眼神的塑造上就有所欠缺了。这主要是由于摄影用光的平淡造成的。正面的柔光所营造的高调是很难突出眼神的。所以通过光线的运用来表现人物的眼神是这一境界的人像作品的关键。编辑本段个性飞扬人像摄影中个性的张扬可以分为两个方面，一是张扬被摄人物的个性，二是张扬摄影者的个性。从被摄影者的角度出发，拍摄人像的目的无非是留念、欣赏及展现自己的个性魅力。从这一点上说，摄影师就是要帮助被摄者展现自己的个性魅力。而从摄影者的角度出发，他作为一个艺术作品的创作者，要通过摄影手段、借助于模特的表现能力来表现自己的摄影创意，来体现自己的摄影风格乃至通过摄影语言来诉说自己对生活的确理解。这一境界的人像摄影作品通常具有以下特征：　1：独特的摄影本体语言　从摄影语言的运用上说，第一境界人像摄影作品的摄影语言运用一般流于平淡，第二境界人像摄影作品的摄影语言运用趋于自然，第三境界摄影作品的摄影语言运用重在卓然不群。用光是摄影最独特的本体语言。如谢墨拍摄的《对影双姝》，巧妙地利用阴影，营造了奇妙的错觉，令人过目难忘。又如朱恩光的《圣徒》，柯林·托马斯的《一线光明》，萨博·亚历萨顿的《纯》等等。摄影本体语言妙处体现得淋漓尽致。 2：独特的而简练的戏剧性情节　如阿德莱尔·穆萨威拍摄的《生命中的阴影》，画面中的男女主人公在摄影者苦心经营的光影效果中诉说着一段耐人寻味的故事。它不是一部电视剧，但却似乎比一部电视剧要说的更多。当然，这幅作品在用光和构图上也都有独到之处。 3：展现对人和自然关系的独特理解　纯粹的人像摄影也许是不包括自然的，但在这个特殊的环境危机时代，不少摄影者把镜头对准了自然，对准了人和自然的关系。或是热情的讴歌，或是尖锐的批评。不管是卡尔·考雷的《人与太阳》还是易水生的《人与太阳》，都表达了人与自然融合的渴望。 4：强烈的视觉冲击　无论是匠心独具的光影、别出心裁的构图还是创新大胆的镜头运用，其目的都是产生强烈的视觉效果。张扬被摄人物的个性就是使拍摄出来的人像摄影作品要与众不同而富于戏剧性的。而摄影者个性的张扬要通过自己个性化的摄影本体语言来展现自己对摄影的理解、对被摄人物的理解、对人像摄影的理解，甚至对生活的理解，所以从某种意义上说摄影作品就是摄影者无声的自白。编辑本段诠释生命伟大的人像摄影作品之所以伟大，是因为他刻画了人物的灵魂，是因为它讴歌了生命的伟大，是因为它记录了一个时代的精神风貌，是因为它记录了人类社会的大悲大喜。从人的个体来看，伟大的人像摄影作品深刻地记录了人物的内心世界，或是悲伤或是喜悦，或是思索或是呐喊。也正是因为它呈现了人物的内心世界，所以这样的摄影作品才给人以心灵的震撼。同时它讴歌了生命的可贵与伟大，面对这样的作品，每一个观众都将为拥有生命而自豪。从人类社会的总体来看，伟大的人像摄影作品记录了一个时代人们的精神风貌，它记录了人类社会的大悲大喜。伟大的人像摄影作品的意义已经完全超出了普通肖像的意义。它是社会的象征，是时代的象征，是历史的象征，从这一意义上说，人像摄影的意义远不止被摄者的留念和摄影者的个性张扬。编辑本段时尚元素影楼摄影师应该把握时尚元素，创造时尚感觉，拍出时尚感强的人像，一、主题的确定选择时尚的主题，这是影楼摄影的前提。摄影要有一种敏感性，抓信最新的流行元素，作为主题素材。二、服装元素时尚感很大程度上取决于服装，因为时装本就是时尚的主角。我们可以从时装的款式、色彩、质地上来加以控制和把　握。款式决定服装的整体风格。不同的时期流行不同的时装款式，人像摄影师要善于观察，经常去一些大型的服装　商场、时尚个性的时装店去观看、体会。更要观察一些时尚人群的穿着变化，以提高自己对服装流行款式的捕捉能力。媒体杂志、网站更是获取服装款式等时尚信息的重要来源。色彩。流行色是时尚人群关注的焦点。去年春季　流行粉紫色、灰绿色，这对影楼人像的色彩就有一定的影响。参加一些时装的发布会，关注国内外时装周的动态的城　市里时尚人群着装的色彩倾向，以便在拍摄时加以运用。我们还要研究流行色彩的变化规律，关注政治、文化的变化　对流行色的影响。还有一些经典色彩如黑、白、灰等，是流行风潮中具有基础性的持久力的色彩，所谓永远不会过时　的色彩。如图五中红与黑的搭配就是较经典的流行色搭配。服装的质地很关键。如图六中，模特所穿的服装，厚重中具有较强垂感，就是对服装流行元素质地的运用。除了以上几点以外，在服装方面影响照片时尚的因素还较多，服装的流行有时党政军会产生复古时尚的流行，　如过去某个时代的款式服装现在又会再次流行产生与当今时代的反差时尚，所以人像摄影师经常研究服装的流行知识　关注流行服装是拍出时尚照片保障。三环境与道具　时尚元素很多，环境与道具的时尚冲击力不仅仅体现在流行层面，还体现在摄影师的观念和选择上。这就需要我们把握时尚的脉搏，并且结合主题来使用，敏锐的观察和果断的抓取时我们摄影师长期的目标。提到摄影室的用光，就自然地会说到四大样： 1、主光，即决定被摄者照明格局的首选灯光，而其它的灯光则只能起到辅助作用。现代影室所用的主光通常是由柔光灯箱发出的。之所以采用柔光灯箱，是因为它发出的光线较为均匀，便于控制。所谓的柔光灯箱，其实就是把一只或数只灯泡放入一个箱体里，通过能使光线散射的柔光箱罩（一般由塑料或纺织品制成）对被摄者照明，箱体越大，灯泡越多，功率越强，照明范围越广。对于一般的影楼来说，口径为一平方米左右的柔光灯箱就能胜任了。其照明的距离和角度可根据需要进行任意调整，而曝光量的确定就以主光为依据。 2、补光，也叫辅助光，顾名思义，它所起的作用就是对阴影进行补充照明，使阴影变得浅淡。其实，补光所用的可以是与主光同样的柔光灯箱，通过照明距离或输出功率来调整它与主光的光比。如果补光的曝光比主光少3挡光圈的话，其光比就是1：3，也就是说其结果将得到较深的阴影。如果补光的强度接近主光的话，比方说相差半级光圈的话，那么阴影部分就变得非常浅淡了。为了简便起见，补光的光源可以固定在天花板或墙上，只是通过调整输出功率的方式来控制阴影的深浅。至于怎样才能使补光取得与主光的最佳光比，则只能靠反复地试验。 3、背景光。在大多数情况下，被摄者都与背景拉开一定的距离。由于光源的照明随着距离的增加而明显地减弱，而背景比被摄者距离光源更远，所以背景的亮度要比被摄者暗许多。如果按被摄者的照明情况曝光的话，则背景就会显得更暗了，结果是被摄者看起来如同融入黑暗的背景之中。如果摄影师不介意这种背景效果的话，当然也就用不着背景光了。但是如果要想把被摄者同背景区别开来的话，则有必要对背景进行单独照明，于是就有了所谓的背景光。然而，背景光的运用要照顾到背景的色彩、距离和照明的角度等等，搞得不好就会弄巧成拙，因此，需要对背景光进行反复调整才能用得恰到好处。为了均匀地照明一个无缝的背景，有时会需要使用两盏灯。 4、头发光。由于人像摄影技术的发展，所谓的头发光已由原来投射到头上的不那么自然的一束聚光，逐渐演变成为一只或多只更加宽广而柔和的灯光，不仅使头发避免成为漆黑一团，而且还能勾画出被摄者的轮廓，因而它又被称为“分离光”。这种用光方法现在已经使用得相当普遍，为此目的采用的是小型柔光灯箱或条型灯具。这种头发光还可以采用把一束灯光通过天花板反射的办法来实施，不过要注意控制布光范围，如果照射到鼻子上就不好看了。上述的4种照明是人像摄影用光的基本方法，这四种方法根据需要可以灵活应用，既可以同时使用4种或两三种，也可以只用主光加上反光板。至于使用自然光在摄影室或在户外从事人像摄影，所用的光源则是现场的自然光以及反光板，当然，也可以采取自然光与灯光相结合的照明方式。至此，也许所有的用光方法都涉及到了，这些方法可以说也都够用了，这是摄影师们的常规做法。但是，对于人像摄影来说，现有的照明方法所拍出的人像有时仍然让人感到似乎缺点什么，总之，一句话：不够精彩。那么，有何高招能够解决这个微妙的问题呢？办法还是有的，那就是再用上一种光——强调光。强调光的功能就是为人像增添一点亮色，一种冲劲，突出被摄者的形态并增强立体感，或者引起人们对被强调光照明部分的注意。在摄影室中这种光通常都是小范围的未经散射的强硬光线，很有冲劲。由此可见，设置这种灯光用不着太大的花费，它甚至用一面镜子把其它的光源，例如一只便携式闪光灯，反射到画面中，就能起到强调的作用。如果使用闪光灯作光源，可以把它放在一个支架上，通过一只伺服开关，即光电启动器，使闪光与其它的照明同步。之所以要利用镜子，主要是为了控制强调光的照明范围。为了获得最佳效果，强调光通常从被摄者的侧后方发出，有时就会射入镜头，结果反而破坏了影像效果。因此，为了确保镜头不受眩光影响，在强调光与镜头之间应放上用黑纸板做的遮光片。强调光的强度一般并没有非常严格的规定，因为不同的摄影师所追求的效果各不相同，不过不妨以超过主光一级光圈的亮度作为试拍的出发点。然而即便强调光的强度与主光相同，它也会产生一种相当生动的效果，因为其光质比较强硬，而且其照明的角度使光线对着镜头反射。顺便说一句，如果以闪光作为强调光的光源，那么在测量强调光的强度时，应关闭在场的所有其它光源。抓拍和摆拍都是摄影创作的重要手段。在大跃进和文革期间，摆拍之风大盛，甚至在新闻摄影界也不例外。新时期开始后，思想战线讲求实事求是，摄影界开始贬低摆拍，乃至几乎完全被否定。进入九十年代后，随着文化艺术多元化的发展，摆拍又得到应有的肯定。但在功利意识盛行的今天，摆拍似乎又走入歧途。其实，摆派和抓拍作为摄影艺术创作的手段，都具有它的特点和相应的生存空间。抓拍的特点是真实、自然，适用于新闻摄影，摆拍的优势在于能够提供更符合摄影师的情景、画面，适用于人像摄影、广告摄影等等。摆拍和抓拍既是对立的，有时又是统一的。所谓摆拍，就是摄影师根据自己的设想，创设一定的环境，设计一定的情节，让被拍摄者表演，最后由摄影师拍摄完成的过程。在这个过程中，摄影师还往往充当导演的角色。很显然，摆拍的摄影作品往往具有更好的用光，构图，更优美的背景，更漂亮的模特，更戏剧性的情节。所以，摆拍有了很大的生存空间。比如在广告摄影领域，广告本身的特点就是要有强烈的视觉冲击，甚至并不拒绝夸张和做作，因此，摆拍几乎是广告摄影唯一的创作手法，这也是无可非议的。再比如在商业人像摄影领域，无论从大众的一般需求还是从摄影师的经营成本上，都要求在室内摆拍的形式。这也是理所当然的。但我们的摄影爱好者渐渐的对摆拍不甚了然起来，把摆拍扩展到了几乎所有摄影领域。而各种报刊杂志更是充斥着形形色色的摆拍作品，为摆拍作品提供了广阔的生存空间，摆拍大有愈演愈烈之势。也许很多影友以为，在艺术多元化的今天，还来讨论摆拍和抓拍的问题是多余的，是的，讨论摄影要不要摆拍是多余的，但是讨论摆拍的存在空间和艺术技巧则是完全合理的，也是完全必要的。笔者以为，目前摄影界在摆拍问题上存在以下问题：一、摄影者的摄影目的不明确，或者说有的摄影者根本就迷失了摄影的目的。摄影界似乎比其他任何艺术团体更具有“上进心”，很多摄影者在学习了摄影不久，就一个心思想得奖、想出名，但艺术眼光的匮乏不可能让这些摄影者找到更多的戏剧性情景，于是摆拍成了最佳的选择。许多地方的摄影协会把摆拍作为进行摄影创作的最主要的甚至唯一的手段。理论界也公然宣称，摄影必需要有“构思”，他们所谓的“构思”就是事先设计好画面和情景，进行“边导边拍”。有些影友出于对大自然的热爱，喜欢走走拍拍，不求出名，不求得奖，只求用镜头记录自然，感受自然，有人就贬之为“浮光掠影”，“没有深度”。其实，摄影本身的目的不外乎两类，一是对生活对世界的真实记录，二是对美好事物的刻划和再创作。比如新闻摄影用来记录历史，当然要绝对忠实于历史，而像大跃进时期的一些摆拍的新闻摄影作品，简直就是对历史的嘲弄。又如，民俗摄影，是对民俗民风的真实记录，而摄影者如果为了所谓的艺术创作，而自任导演，演出一场场假戏真做的闹剧，那就是对艺术的最大侮辱。不幸的是，这样的闹剧正每天在摄影界上演。二、表现手法粗陋，思维简单，缺乏想象力。很多影友并没有真正理解摆拍的优势所在，一味的为摄影而摄影，为摆拍而摆拍。所拍摄的作品既可以由现实生活中抓拍得到，又并不比抓拍得到的作品具有更好的用光、构图和动态效果。他们的表现手法也极为简单化，他们的逻辑总是这么简单：凡是婚纱就是美丽，凡是贫穷就是古朴，凡是怪异就是创新；拍**流水，就必需有姑娘阳伞，拍田园风光，就必需有黄牛老农；他们为了拍云雾，可以放火熏烟，为了拍民俗可以乔装打扮。当然还听说为了拍葬礼，还有让死人再葬一次的。那就是道德问题了，不在本文讨论之列。很多影友缺乏生活积淀，所拍摄的作品不符合生活实际，而自己还自鸣得意。三、摹仿成风，摹仿之作大有用武之地。我们可以看到，在国内的几本主要摄影杂志上，在各种各样的影赛中，雷同之作比比皆是。希望工程热门，就满目的山区孩子渴望的目光，婚纱热门，就到处是手捧婚纱照骑着摩托兜风。你拍哈欠，我也拍哈欠，你拍喷嚏，我也拍喷嚏。本来摹仿并不是摆拍的过错，抓拍也可以摹仿。但一方面是由于摆拍的作品容易摹仿，另一方面摆拍这种创作形式又特别适合于去摹仿，再加上摆拍作品又大有市场。所以摹仿者乐此不疲。这样看来，有时摹仿甚至是摆拍的副产品了。如果要我把拍摄时的那种感觉用笔写下来，我真有些无能为力，因为我知道，那只是一瞬间即逝的感觉而已。我只不过是把自己的梦想用相机变为现实。我喜欢梦想，所以我拍照时总爱跟模特说一种故事或气氛，这种气氛也许来自我的经历，我的梦想，我看到过的影像等等，所以又有人说我的照片太注重个人色彩，甚至于有些过于灰暗。我喜欢新奇的东西，所以每次拍完一组照片，我都会问自己：下一组照片是什么？答案是：不重复自己更不能重复别人。为了不重复自己，我都要去想象一个与众不同的场景．记得在拍摄一组具有文革时期气氛的照片前，我特地到北京潘家园旧货市场翻拍了一天的旧图片，寻找想要的感觉．在拍摄另一组追踪题材的照片时，我在北京站登上了一趟开往长城的列车．去寻找想象中的小站台。我喜欢那些有想象力的融有摄影师个人情感的图片，我不去强调图片的影像到底有多么清晰，也不在乎它的构图，我只想着这张图片不是我从来没有见到过的影像。一张图片是否具有想象力和创造性．是我衡量它的好与坏的标准。在拍照当中不存在任何规则，可以想得简单却拍出复杂的片子，也可以想象得复杂拍出的片子却很简单，好的片子肯定是最能打动观众的片子。照片把本来属于生活的片刻给定义下来．表达出拍摄者自己的思想、感觉。创造力在哪里产生呢？这个话题可能已有人写了跟河一样多的文字．我认为每一个人的脑子都像一个仓库．保存有你所有见到的、听到的、做过的以及后来跟个人经验混在一起的记忆，每个人都会有．差别在于每个人都会用不同的方式去表达他们的这种记忆。如果不是商业用途．我都会选择135相机去拍摄，我不想让相机阻碍我的思维发展．所以我的相机一般都设定在光圈优先．另加一只闪光灯。当然．这并不意味着摄影技术不重要。我很庆幸能有大部分的时间让我自由地去创造属于自己的影像．可是我却慢慢地有些逃不出自己过去的影子．我知道每个人都会有一个成长的过程．有前辈增留下一句格言：“艺有法，艺物无定法”。愿我们每个人都能走出一条自己的艺术之路。

装修风格有哪些分类，各有什么特点

现在小编就来给大家详细的讲解一下，目前国内主流的几种装修风格都有哪些，它们都有哪些特点？一、现代简约风格现代简约风格最大的特点是线条简练、清爽利落。因此，简约的空间设计通常非常含蓄，往往能达到以少胜多、以简胜繁的效果。在家具选配上，多采用布艺沙发配搭颜色鲜艳的靠包,用以营造温馨的居家生活。在色彩上，常运用米色、驼色，或者是黑白灰的组合，偶尔使用明快的糖果色，来表现居室温馨、时尚、欢跃的生活气息。在材质上，一般采用玻璃、金属、塑胶、强化纤维等高科技材质，来表现现代时尚的家居氛围。在造型设计方面，点与面，直与斜应该有机搭配，吊顶、空间和各种材料需要紧密的结合，使人倍感空间的清澈、晶莹剔透。在家具配置方面，简洁明快、实用大方，讲求功能至上，形式服从功能。现代简约风格饰品是所有家装风格中最不拘一格的一个。一些线条简单，设计独特甚至是极富创意和个性的饰品都可以成为现代简约风格家装中的一员。灯具方面，在产品造型上，打破传统的惯性思维，充分运用几何线条，有圆形、方形、多边形等，无论是方正细长还是圆润光滑，都迎合了现代人的审美观念。在材质上，一般采用铝材、钢材、亚克力、玻璃灯等富于现代特征的材质，表面有的平滑，有的配以各种曲线设计，有的是磨沙设计，给人不同的享受。在颜色上不会有太多色彩的花哨，产品的色彩比较单一，白色、灰色、黑色、绿色、蓝色等为主色调，这些产品通过色彩上就能带给人一种安静的感觉，而又不失现代感图案色彩方面，图案简洁，线条流畅抑或不规则。色彩上黑、白组合，红、橙、黄代表的热烈色调，青、蓝、绿具有的寒冷、沉静的感觉都在现代风格设计中得以大胆运用。二、新中式风格新中式风格，将现代元素和传统元素进行了有机的结合，以现代人的审美需求去营造传统韵味。新中式风格诞生于中国传统文化复兴的新时期，在探寻中国设计界的本土意识之初，逐渐成熟的新一代设计队伍和消费市场孕育出含蓄秀美的新中式风格。在中国文化风靡全球的现今时代，中式元素与现代材质的巧妙兼柔，明清家具、窗棂、布艺床品相互辉映，再现了移步变景的精妙小品。继承明清时期家居理念的精华，将其中的经典元素提炼并加以丰富，同时改变原有空间布局中等级、尊卑等封建思想，给传统家居文化注入了新的气息。中国风并非完全意义上的复古明清，而是通过中式风格的特征，表达对清雅含蓄、端庄丰华的东方式精神境界的追求。新中式风格大多数采用对称式的布局，用以营造清幽雅致的生活氛围，在装饰细节上崇尚自然情趣。在家具选配上，一般采用传统的圈椅，条案等中式家具去进行西式陈设，强调舒适性与实用性。在色彩上，通常以黑、白、灰色为基调，局部用红、黄、蓝、绿等进行点缀。在材质上，多采用榆木，橡木等硬质木材进行加工，用来表现东方文化的内敛气质。新中式风格主要包括两方面的基本内容，一是中国传统风格文化意义在当前时代背景下的演绎；一是对中国当代文化充分理解基础上的当代设计。新中式风格不是纯粹的元素堆砌，而是通过对传统文化的认识，将现代元素和传统元素结合在一起，以现代人的审美需求来打造富有传统韵味的事物，让传统艺术在当今社会的到合适的体现。家具配置方面，新中式风格的家具可为古典家具，或现代家具与古典家具相结合。中国古典家具以明清家具为代表，在新中式风格家具配饰上多以线条简练的明式家具为主。图案色彩方面，多以深色为主，墙面色彩搭配：一是以苏州园林和京城民宅的黑、白、灰色为基调；二是在黑、白、灰基础上以皇家住宅的红、黄、蓝、绿等作为局部色彩。三、新古典风格新古典风格，摒弃了过于复杂的纹理和装饰，将怀古的浪漫情怀与现代简约相结合，给人以绚丽、舒适的感觉。欧洲文化丰富的艺术底蕴，开放、创新的设计思想及其尊贵的姿容，一直以来颇受众人喜爱与追求，新古典主义的设计风格其实是经过改良的古典主义风格。新古典风格从简单到繁杂、从整体到局部，精雕细琢，镶花刻金都给人一丝不苟的印象。一方面保留了材质、色彩的大致风格，仍然可以很强烈地感受传统的历史痕迹与浑厚的文化底蕴，同时又摒弃了过于复杂的肌理和装饰，简化了线条。在家具选配上，采用精巧的主体家具配搭夸张靓丽的装饰品，给人以舒适华丽的生活享受。在色彩上，白色、金色、黄色、暗红色，是这种风格常用的颜色，使空间看起来明亮大方。在材质上，一般以实木为主,常用胡桃木、桃花芯木、椴木、乌木等，表现了典雅开放的气质。新古典主义的设计风格其实是经过改良的古典主义风格。欧洲文化丰富的艺术底蕴，开放、创新的设计思想及其尊贵的姿容，一直以来颇受众人喜爱与追求。新古典风格从简单到繁杂、从整体到局部，精雕细琢，镶花刻金都给人一丝不苟的印象。一方面保留了材质、色彩的大致风格，仍然可以很强烈地感受传统的历史痕迹与浑厚的文化底蕴，同时又摒弃了过于复杂的肌理和装饰，简化了线条。常见的壁炉、水晶宫灯、罗马古柱亦是新古典风格的点睛之笔。高雅而和谐是新古典风格的代名词。白色、金色、黄色、暗红是欧式风格中常见的主色调，少量白色糅合，使色彩看起来明亮、大方，使整个空间给人以开放、宽容的非凡气度，让人丝毫不显局促。四、韩式风格韩式风格，它的特点是将唯美、温馨、自然、优雅融合为一体，同时散发着一种干净温馨的家居氛围，时下更是受到越来越多年轻人的追捧。韩国传统风格是在后现代建筑基础之上适用于现代居住理念的韩式风格，是韩国传统文化意义在当前时代背景下的演绎。在家具配置上，大多选用纯洁自然的白色家具，搭配印花布艺沙发，表现出柔美婉约的气质。同时，点缀花瓶、装饰画、花卉等，突出田园主题。在色彩上，以暖色调为主，采用桔黄、嫩粉、草绿、天蓝、浅紫等清淡的自然色，具有放松自然的气息。在材质上，以淡雅的花朵图案壁纸、原木地板和仿古地砖为主，烘托出自然清新的生活气息。韩国是一个偏爱白色的国度—国旗、国花、还有传统的舞蹈服饰。酷爱白色的韩国人认为白色是纯洁的色彩，是浪漫的象征。反映在家居生活方面，他们对白色的家居用品相当推崇。除了年龄稍长的人会偏爱带有传统风格的红木家具以外，年轻人更钟爱纯白色的家具。在拥有优雅的白色调的同时，韩国人也很注重细节品质，会在白色的现代家具中融合些许精致的欧洲装饰元素。这些装饰细节小面积地点缀在家具边沿，似朴素的野花与纤细的小草，极柔美与婉约。造型设计方面，在空间布局上韩式风格体现出日式的倾向，讲究空间的层次感，依据住宅使用人数和私密程度不同，使用屏风或木隔段作为分隔尺寸。空间装饰多采用简洁、硬朗的直线条，反映出现代人追求简单生活的居住要求，迎合了韩式家居追求内敛、质朴的设计风格。图案色彩方面，韩式装修偏爱带有现代感的、花朵图案的淡雅壁纸，它与线条柔美的白色家具很和谐。由于韩式家具在设计上具有融合性，因此，不太适合搭配使用过于繁复的欧式复古风格的壁纸。壁纸要有浅浅的底色，这样容易与整体环境统一融合。在色彩方面最主要的特征就是以暖色调为主：淡淡的桔黄、嫩粉、草绿、天蓝、浅紫……清淡的、水质感觉的色彩能让屋子透出绝对自然放松的气息。五、地中海风格地中海风格，它的特点是将海洋元素应用到家居设计中，给人自然浪漫的感觉。在造型上，广泛运用拱门与半拱门，给人延伸般的透视感。在家具选配上，通过擦漆做旧的处理方式，搭配贝壳、鹅卵石等，表现出自然清新的生活氛围。在色彩上，以蓝色、白色、黄色为主色调，看起来明亮悦目。在材质上，一般选用自然的原木、天然的石材等，用来营造浪漫自然的氛围。对于地中海来说，白色和蓝色是两个主打，最好还要有造型别致的拱廊和细细小小的石砾。在打造地中海风格的家居时，配色是一个主要的方面，要给人一种阳光而自然的感觉。主要的颜色来源是白色，蓝色，黄色，绿色以及土黄色和红褐色，这些都是来自于大自然最纯朴的元素。地中海风格在造型方面，一般选择流畅的线条，圆弧形就是很好的选择，他可以放在我们家居的空间的每一个角落，一个圆弧形的拱门，一个流线型的门窗，都是地中海家装中的重要元素。并且地中海风格要求自然清新的效果，墙壁可以不需要精心的粉刷，让他自然的呈现一些凹凸和粗糙之感。电视背景墙无需精心装饰，一片马赛克墙砖的镶嵌就是很好的背景。地中海风格的美，包括海与天明亮的色彩、仿佛被水冲刷过后的白墙、薰衣草、玫瑰、茉莉的香气、路旁奔放的成片花田色彩、历史悠久的古建筑、土黄色与红褐色交织而成的强烈民族性色彩。一如西班牙蔚蓝海岸与白色沙滩、希腊白色村庄在碧海蓝天下闪闪发光、意大利南部向日葵花田在阳光下闪烁的金黄、法国南部薰衣草飘来的蓝紫色香气、北非特有沙漠及岩石等自然景观的红褐、土黄的浓厚色彩组合。取材于大自然的明亮色彩。地中海风格的基础是明亮、大胆、色彩丰富、简单、民族性、有明显特色。重现地中海风格不需要太大的技巧，而是保持简单的意念，捕捉光线、取材大自然，大胆而自由的运用色彩、样式。 “地中海风格”的建筑特色是，拱门与半拱门、马蹄状的门窗。建筑中的圆形拱门及回廊通常采用数个连接或以垂直交接的方式，在走动观赏中，出现延伸般的透视感。六、古典欧式风格古典欧式风格，它是历史悠久的经典之作，这种风格最大的特点是在造型上极其讲究，给人的感觉端庄典雅、高贵华丽，具有浓厚的文化气息。古典欧式风格具体可以分为六种风格来简述：罗马风格、哥特式风格、文艺复兴、巴洛克风格、洛可可风格、新古典主义风格。其中代表风格是：巴洛克风格、洛可可风格。古典欧式家具最为完整的继承和表达了古典欧式风格的精髓，最为让后世所熟知，塞特维那皇室家具为代表的古典欧式家具完整保存了古典欧式风格，在传承、发扬古典欧式文化起到了重要作用。家具选配上，一般采用宽大精美的家具，配以精致的雕刻，整体营造出一种华丽、高贵、温馨的感觉。壁炉作为居室中心，是这种风格最明显的特征，因此被广泛应用。在色彩上，经常以白色系或黄色系为基础，搭配墨绿色、深棕色、金色等，表现出古典欧式风格的华贵气质。在材质上，一般采用樱桃木，胡桃木等高档实木，表现出高贵典雅的贵族气质。古典欧式风格，注重对称的空间美感。如果只是对古典风格照猫画虎，必然会破坏其档次，蒙上暴发户般的俗不可耐。欧洲古典室内风格之所以历久不衰，首先是由于它讲求合理、对称的比例。较为典型的欧式元素为石膏线、装饰柱、壁炉和镜面等，地面一般铺大理石，墙面贴花纹墙纸装饰。室内布局多采用对称的手法，以白、黄、金三色系为主。七、美式风格美式风格，顾名思义是来自于美国的装修和装饰风格。是殖民地风格中最著名的代表风格，某种意义上已经成了殖民地风格的代名词。美国是个移民国家，欧洲各国各民族人民来到美洲殖民地，把各民族各地区的装饰装修和家具风格都带到了美国，同时由于美国地大物博，极大的放开了移民们对尺寸的欲望，使得美式风格以宽大，舒适，杂糅各种风格而著称。客厅作为待客区域，一般要求简洁明快，同时装修较其它空间要更明快光鲜，通常使用大量的石材和木饰面装饰；美国人喜欢有历史感的东西，这不仅反映在软装摆件上对仿古艺术品的喜爱，同时也反映在装修上对各种仿古墙地砖、石材的偏爱和对各种仿旧工艺的追求上。总体而言，美式田园风格的客厅是宽敞而富有历史气息的。美式家居的卧室布置较为温馨，作为主人的私密空间，主要以功能性和实用舒适为考虑的重点，一般的卧室不设顶灯，多用温馨柔软的成套布艺来装点，同时在软装和用色上非常统一。现代美式多用非炫目灯光，且尽量做到只见光不见灯的效果。美式家具多以桃花木、樱桃木、枫木及松木制作。据悉，桃花木、樱桃木属于需要几十年甚至上百年方可成材的珍贵木材，枫木也要40年成材。这些精心选择的材料为家具的进一步造型确立了良好的基础，家具表面精心涂饰和雕刻，表现出独特的美式风格家居特色。八、美式乡村风格美式乡村风格，将粗犷自然与悠闲舒畅结合在了一起，给人惬意的生活享受。美式乡村风格摒弃了繁琐和奢华，并将不同风格中的优秀元素汇集融合，以舒适机能为导向，强调“回归自然”，使这种风格变得更加轻松、舒适。美式乡村风格突出了生活的舒适和自由，不论是感觉笨重的家具，还是带有岁月沧桑的配饰，都在告诉人们这一点。特别是在墙面色彩选择上，自然、怀旧、散发着浓郁泥土芬芳的色彩是美式乡村风格的典型特征。美式乡村风格的色彩以自然色调为主，绿色、土褐色最为常见；壁纸多为纯纸浆质地；家具颜色多仿旧漆，式样厚重；设计中多有地中海样式的拱。美式乡村风格摒弃了繁琐和奢华，并将不同风格中的优秀元素汇集融合，以舒适机能为导向，强调“回归自然”，使这种风格变得更加轻松、舒适。美式乡村风格突出了生活的舒适和自由，不论是感觉笨重的家具，还是带有岁月沧桑的配饰，都在告述人们这一点。在家具选配上，主要选用质地厚重，体型宽大的家具，展现出原始粗犷、自然惬意的生活氛围。在色彩上，以自然色调为主，给人怀旧、质朴的感觉。材质上，大量使用石材、木饰面板、实木、壁纸、布艺等，用来营造自然舒适的生活气息。色调：美式乡村风格的色彩以自然色调为主，绿色、土褐色最为常见。材质：布艺是美式乡村风格中非常重要的运用元素，本色的棉麻是主流，布艺的天然感与乡村风格能很好地协调；花卉、植物在各个空间恰到好处的运用；家具颜色多仿旧漆，式样厚重，具有浓烈的大自然粗糙质感，却有细节上的精雕细琢。符号：用花朵图案和各种纹路作为装饰。各种繁复的花卉植物、靓丽的异域风情和鲜活的鸟虫鱼图案很受欢迎，舒适和随意；摇椅、小碎花布、野花盆栽、小麦草、水果、磁盘、铁艺制品等都是乡村风格空间中常用的东西；柔软的大沙发在充足的光线显得自然、幽静。九、东南亚风格东南亚风格是一个结合东南亚民族岛屿特色及精致文化品位的设计，其重视在异国情调下享受极度舒适的氛围，注重细节和软装饰，喜欢通过对比达到强烈的效果。它汲取东西方经典元素结合当地风俗习惯诠释出新的风格理念。东南亚风格，以其崇尚自然的精神，迎合了时下人们追求健康、环保、以及个性化的价值理念。它的特点是将简洁与复杂、典雅与艳丽有机地结合在一起，它强调了休闲、轻松与舒适；在家具选配上，以木材、藤、竹等原料为主，运用色彩绚丽的靠包、窗帘、幔帐与天然材质的各种家具相互呼应，用多彩的颜色营造出一个曼妙的氛围。在色彩上，很重要的一个特点就是色彩绚丽，颜色丰富多彩。东南亚家居风格尽管融合了多民族多文化特色，但通过不同的材料和色调搭配，使其产生了更加丰富多彩的设计。东南亚家居设计，细节的设计十分精致、图案的勾勒不失为当地民俗的代表图腾等参照，以细节之处透视着一个地域风情的深厚渊源。东南亚风格的搭配虽然风格浓烈，但千万不能过于杂乱，否则会使居室空间显得累赘。木石结构、砂岩装饰、墙纸的运用、浮雕、木梁、漏窗……这些都是东南亚传统风格装修中不可缺少的元素。

太阳油画背景米罗 1967年

1973年作雕刻时光布面油画从现代到当代—绘画形式的演变编号：0160估价：140,000-180,000编号：0161估价：110,000-150,000编号：0162估价：60,000-80,000编号：0163估价：150,000-180,,000至180,000画面尺寸55×38.5cm；含框尺寸71×54cm09:00-- 20:00北京亚洲大酒店拍卖会名称拍卖会专场北京亚洲大酒店说明左下角有签名，画框背面横杆上标注编号艺术家简介：马克斯·阿古斯第尼，当代印象派色彩大师祖籍科西嘉岛的马克斯·阿古斯第尼1914年出生于巴黎。还在巴黎高等美术学院当学生的时候，他就显示出了他在印象派技法方面的非凡才华。第二次世界大战初期，他入伍参战。可是不久之后便成为战俘，在狱中度过三年。战后，他在法国中部的夏托鲁市工作多年。出色的绘画才华，尤其是肖像画与风景画，使他开始引起了人们的注意。之后，他搬往普罗旺斯的加尔吉列斯小镇，并定居下来，直到1997年1月逝世。入院前几天，他仍然坚持作画，留下了精彩的作品。阿古斯第尼在世界各国都被认为是那个时代最伟大的色彩画家。他一直钟情于描绘巴黎、克勒兹地区或是南部地区，一心致力于创建一个安宁幸福的世界，不被二十世纪纷纷扰扰的各家艺术学派所左右。他与“诗意写实主义运动”的画家们交往甚密，包括莫里斯·布里昂肖（Maurice BRIANCHON）和罗兰·奥杜（Roland OUDOT），他不停地思考，试图远离动荡生活的俗世烦恼，只留下敏锐的感觉。他利用光影和色彩的律动，来展现钟情的主题：吉维尼小镇的田野和花园，普罗旺斯的葡萄园，海港，沙滩，静物。在他生前，在巴黎举办过大量画展。丽春花、水景、熏衣草田野、春天的田野、花束等题材的作品，都令他名列当代印象派佼佼者之列。他在作品中常以鲜艳的油彩来描绘充满生机、朝气蓬勃的花卉。在他看来，花束代表着幸福与希望的凝聚。他的画向我们阐述幸福的岁月。一些相关的专业艺术书籍中都提到这位艺术家的名字。 1998年，马克斯·阿古斯第尼回顾展画册《创作的奥妙—马克斯·阿古斯第尼（）回顾展画册》出版。画册收录了这位当代印象派大师的797件作品。作品简介：《雕刻时光》是一部被凝固了的时光，黄黄暖暖的色调让我们想起甜蜜的温馨。黄色的桌子和淡黄的背景相呼应，瓶中红黄相间的鲜花和瓶身上的红黄印花相呼应，整个画面圆满温和，犹如纪念一段美好的恋情，回忆起来总是眷恋，意犹未尽，蜜般的甜美。画框为蒙帕纳斯式木雕框，框角与中央饰有百合花样漆米灰色涂层。 1940年代巴黎手工制作。状况良好，格调优雅，与画面本身相得益彰。此作品有法国巴斯蒂亚法庭授权鉴定师，“古玩、家具、绘画”鉴定专家协会成员Gilbert POLVERELLI出具的鉴定证书。艺术家生平： 1914：出生于巴黎。父亲在他出生前不久、战争爆发初期去世。：考入巴黎高等美术学院，显露出印象主义绘画才华。青年时代的阿古斯第尼在科西嘉岛圣达米亚诺阿尔兹教堂创作壁画 1942年，被捕入狱，与其他同为战俘的画家朋友被送往东普鲁士。马克斯·阿古斯第尼（正中坐）正在创作画像：应征入伍，战争期间被捕入狱，三年战俘。：返回巴黎，开始艺术家流浪生活。：前往定居法国中部的夏托鲁市，创作风景作品，为美国驻军官员创作肖像画。马克斯·阿古斯第尼在法国南部的加尔吉列斯为阿斯先生创作肖像画。这位战争期间来到这座小镇避难的阿斯先生在逝世之后，将这件肖像画捐赠给卡吉莱斯市政厅，作为永久展示作品。 1969：结识了前拍卖人皮埃尔·马丁-卡耶，与他签订了独家代理协议，由让娜·格林贝格主持的埃克斯-普罗旺斯的马丁-卡耶画廊独家代理作品。这家画廊使他的作品得到世人的关注和赏识。 1970：阿古斯第尼前往法国南部普罗旺斯一年，前六个月写生创作春季和夏季风景，冬季六个月在位于克兹的工作室创作。 1997：马克斯·阿古斯第尼于1月14日逝于普罗旺斯奥巴涅医院 1998：马克斯·阿古斯第尼回顾展画册《创作的奥妙—马克斯·阿古斯第尼（）回顾展画册》出版，画册收录了这位当代印象派大家的797件作品。色彩是绘画的两大基本元素之一。通过对色彩的运用，艺术家既能发挥无限的想象力，又能表达丰富的情感。不同的色彩也能带给观众不同的视觉体验，激发不同的情感共鸣。下面两幅作品就是很好的比较。这两幅作品分别是马克斯·阿古斯第尼的布面油画（左图）和米罗·沃基奇的纸上油画（右图）。它们都描绘了相同的主题：花卉静物。两幅画的构图也非常相似：画家都是正面视角构图，花瓶置在画面的正中央，统一的颜色使背景抽象化；瓶里的花束矗立挺拔，可以看出它们都是鲜活水灵，两幅画中的花朵也多为红黄两色。简单的构图实际上重新采用了传统的花卉静物画的构图，也就是在16世纪荷兰静物花卉画刚刚成为独立题材时候典型的构图（如图所示，荷兰16－17世纪画家Jan Brueghel the Elder，，的作品，画于1603年）。显然，色彩对于两位画家来说比构图重要，他们都想把更多的注意力集中在色彩上。事实上也是如此。马克斯·阿古斯第尼的《雕刻时光》以黄色作为主色调：放置花瓶的平面是黄色的，背景也是用了大面积的浅黄，就连绿色的枝叶和红色的花朵也掺杂了很多黄色。整个画面分成上下两部分：画面上方是红、黄、绿三色组成的花；画面下方前景也是由红、绿、黄三色组成的花瓣、叶子和背景；它们相呼应，使得画面重心平均地分布在上下方。而中间的蓝色花瓶连接了上下两部分，瓶子上的红、黄花朵图案形成了既是色彩的、又是构图的过渡。通过不同颜色在空间中的重复运用，艺术家在寻求色彩的平衡和画面的和谐。米罗·沃基奇的《蓝色的烂漫》看似和马克斯·阿古斯第尼的《雕刻时光》类似，但是米罗·沃基奇寻找的不是色彩的平衡，而是它们之间的对比游戏，而且他把这一游戏进行得更加彻底。艺术家把色彩中的三原色－红、黄、蓝－全运用到一起。描绘枝叶的绿色实际上混合了蓝色的颜料，它们看上去并不明显，几乎和背景的颜色混为一体。这也是画家刻意的安排，与其说画家运用色彩来描绘一张花朵的图案，倒不如说画家通过描绘花朵进行了一场大胆的色彩游戏。通过处理三原色在画面中的相互关系，艺术家探索颜色在空间中的运动和由此带来的视觉效果。而且，这些色彩之间的关系并不是平衡的，而是循序渐进的：背景和花瓶构成了大面积的蓝色，随之是形成半个圆形的红色花朵，而两朵黄色的画点缀其中，同时零星分散几点黄色。红、黄、蓝三色之间的关系既错落有致，又对比鲜明。不同的颜色也激发了观者心中不同的情感。马克斯·阿古斯第尼的《雕刻时光》通过大量的黄色和红色给人带来热情和温暖。而米罗·沃基奇《蓝色的烂漫》中的蓝色让人联想到忧伤或宁静。一动一静，形成了耐人寻味的对比。《追忆似水年华》 —法国名家静物油画作品选年华似水，流逝无边。法国作家普鲁斯特用呢喃梦语在《追忆似水年华》这部宏大的小说中纪录了一段关于他心爱之人的回忆。其中的欢快，悲伤，惆怅和无奈，融合了作家的所闻所思和所感，与其说是纪录了一段回忆，倒不如说纪录了一段混合了作家回忆和想象的自我认知的过程。其实，我们每一个人的记忆何尝不是呢？记忆不是单纯的过去，它是某种情怀的化身，安放着曾经的渴望。追忆似水年华，是寻找深埋的记忆，追随远去的情怀…… 继春拍的法国优秀风景绘画专题广受好评之后，秋拍将呈现给大家一组迷人的法国名家静物作品。大家一定会被其令人惊叹的技巧和深邃内敛的气质深深吸引。就让我们以这件创作于1890年象征着巴黎美好年代梦幻般生活的《追忆似水年华》掀开此次艺术之旅的序幕。艺术家布吕奈尔是法国19世纪跨20世纪的写实主义大师之一。他1852年生于巴黎，以静物画和动物画着称。尤其是对猫入木三分的描绘，使得他的作品被制作成为邮票发行。他的风格是学院派和印象派的精妙结合。 1879年起，年仅27岁的布吕奈尔成为“法国艺术家协会”成员，开始参加由协会举办的画展，首幅参展的作品为《静物苹果与葡萄》。此后直至1909年，协会的展出中都能看到他的作品。 1907年，他成为协会的合作会员。水果静物画是布吕奈尔创作的一大特色，他尤其能通过对色彩和光感的完好把握，来游刃有余地把各种材质、以及它们之间的反差对比描绘得十分形象逼真，如水果表面的柔润光泽，以及柳条篮或是彩陶等盛器的独特质地等。此外，布吕奈尔也很善于描绘铜罐类盛器的质地和光泽。他在这方面的技艺常常被作为范例提及。这件《追忆似水年华》犹如一首述说人生的诗歌，细腻、华丽。如此大尺幅的静物油画比较少见，也体现了画家宏大的意图。特别值得一提的是，2010年3月，由北京文化发展基金会主办，朱青生教授主持的“法国经典艺术赏析暨欧洲经典艺术研讨会”上，这件作品作为欧洲经典作品的范例被重点讲析，受到中央美院赵力教授和清华美院张敢教授的高度评价。作为本专题最着重推荐的作品，在后续篇章里面我们会对这件作品进行非常深入的探讨。来自拿破仑故乡科西嘉岛的法国画家阿古斯第尼1914年出生于巴黎。还在巴黎高等美术学院当学生的时候，他就显示出了他在印象派技法方面的非凡才华。作为那个时代最伟大的色彩画家，他一直钟情于描绘巴黎、克勒兹地区或是南部地区，一心致力于创建一个安宁幸福的世界，不被二十世纪纷纷扰扰的各家艺术学派所左右。他与“诗意写实主义运动”的画家们交往甚密，包括莫里斯·布里昂肖（Maurice BRIANCHON）和罗兰·奥杜（Roland OUDOT）等。他不停地思考，试图远离动荡生活的俗世烦恼，只留下敏锐的感觉。他利用光影和色彩的律动，来展现钟情的主题：吉维尼小镇的田野和花园，普罗旺斯的葡萄园，海港，沙滩，静物。他生前在巴黎举办过大量画展。丽春花、水景、熏衣草田野、春天的田野、花束等题材的作品，都令他身处当代印象派佼佼者之列。这件动人心弦的《雕刻时光》是一部被凝固了的时光，黄黄暖暖的色调让我们想起甜蜜的温馨。黄色的桌子和淡黄的背景相呼应，瓶中红黄相间的鲜花和瓶身上的红黄印花相呼应，整个画面圆满温和，犹如纪念一段美好的恋情，回忆起来总是眷恋，意犹未尽，蜜般的甜美。 1998年艺术家的继承人出版了艺术家作品全集，这件作品被收录在内。阿梅格里奥的《流浪者之歌》激起我们心底对吉卜赛人自由的向往。艺术家日生于意大利的圣雷默。在蔚蓝海岸一带度过的无虑童年让他对地中海地区的光色变化有着一种天生的敏锐。他先是在法国南部开始绘画学习，当时的创作题材多为法国南部风景。 1938年，阿梅格里奥北上来到那个年代的世界艺术中心—巴黎蒙玛特高地，继续他的艺术追求。蒙玛特艺术区成了他后来一生的主要居住地，那里也是他艺术成长的摇篮。他在蒙玛特高地的克鲁泽尔街23号（23， rue Clauzel）建了画室。虽然阿梅格里奥自称是一个自学成材的画家，但其实，他的绘画在很大程度上受益于他与当时许多著名艺术家的交往，以及随之结下的深厚情谊。他在巴黎结识了很多先锋艺术家，包括毕加索、立体派画家雅克·维永（Jacques Villon）、让-保罗·弗朗索瓦·加尔（Jean Paul Francois Galle）、凡·东根（Van Dongen），还有未来派画家塞弗里尼（Severini）等。这些都是后印象派，抽象画派和未来派等新兴艺术运动的代表画家。阿梅格里奥成为法国艺术家协会会员后，定期参加协会的展出。 1938年的国际艺术博览会上，他以作品《鲁昂圣母院》赢得观众的喝彩，获得了他平生的第一次荣耀，自此奠定了他在绘画上的成就。法国著名艺术评论家马塞尔·齐斯托（Marcel Guicheteau）这样评价阿梅格里奥：“这位艺术家的作品总是充满了一种梦幻般的意境。他笔下和谐的构图，柔和的色彩，细腻的笔触，都令他成为一位画家中的诗人。 ”法国贝内兹特艺术家辞典（The Benezit Dictionary of Artists， pp.266）中收录了阿梅格里奥的简介、两种常用签名等信息。日，在他离世的前一年，巴黎著名的坎帕塞雷斯画廊（Galerie Cambacérès）为他举办了一场回顾展。梅里奥·阿梅格里奥的作品被世界各地的公共及私人藏家收藏。在法国艺术市场，他那些采用印象派传统技法、在自然露天条件下完成的油画作品持续受到青睐。《戏耍》是一件典型的19世纪末20世纪初的作品，来自一座比利时城堡的收藏。在欧洲的“美好年代”，贵族阶层发展了一种新的家庭生活艺术。一方面，孩子和父母的关系再次成为家庭的核心，另一方面，家庭中出现了陪伴孩子们玩耍的宠物—猫和狗。于是，画家们也开始以家庭为主题，孩子和宠物渐渐成为画家们笔下偏爱的绘画主体。本件作品是比利时画派画家贝尔维赫的佳作，通过宠物来表现儿童情趣。画中的小狗就像是家中的长子，而三只可爱的小猫可以看作是他的三个妹妹。精心设想的画面场景让人感受到温馨、轻松而诙谐的气氛。画家的笔触细腻，小猫小狗的皮毛有着毛茸茸的质感，表现得栩栩如生，使人情不自禁地想要抚摸它们。这件温暖的作品几乎是美好生活的象征，我们期待着某个藏家像宠爱自己的小狗小猫一样宠爱它。艾米丽娜·德拉克罗瓦是幼拙派的代表人物之一。她用一种近乎原始的创作方法为自己的作品带来了独树一帜的个人风格。颜料好像是直接挤堆在画面上，浓厚、凹凸不平，让作品充满立体的雕塑感。颜色是几乎没有经过混和的原色，运用得单纯彻底。她的风格返璞归真，是从心底直接流出的质朴，不加任何卖弄技巧的雕琢。就好像天真无邪的童年，干净简单，没有掺杂任何世故圆滑。《马蹄莲》从视觉上给观者强烈的浮雕感。有趣的是，我们所有人都希望得到毕加索的作品，毕加索却钟情于德拉克罗瓦的作品。他经常到艺术家位于法国南部的画室造访并收藏了不少她的作品。无独有偶，鼎鼎大名的克拉克· 盖博也是收藏她作品的众多名人之一。这个专题中还有一件大尺幅的作品，那就是来自艺术家雷米·赫托的《悠闲时光》。但与前面我们介绍过的布吕奈尔的《追忆似水年华》相比，更多的是轻松，没有束缚。画面背景以浅色调为主，相对淡雅，物体却填充了较鲜艳的颜色。构图偏于抽象，艺术家虽然用物体前后叠加的方式表现了画面纵深感，但是他又削减了透视法的存在，所有的物体好像是悬浮在同一个平面上。同时，每个物体的造型都故意几何化，它们更像一个个符号。和其他的作品相比，赫托的静物画是抽象的遐想，天马行空，是抛开现实的规矩，随心所欲地异想天开。艺术家毕业于法国国家装饰艺术学院，他毕生尝试以不同技法进行创作。这件作品具有湿壁画的效果，令人过目难忘。试想一下，在客厅的舒适沙发上捧着一杯香浓的咖啡欣赏对面墙上的这件作品会是怎样的感觉…… 在介绍这件《静思》之前，我们得先说说艺术家马克莱。这位曾被认为是蒙马特高地的传奇人物一生坎坷，但是在最艰难的岁月里依然没有忘记艺术，没有忘记用亮丽的色彩描绘他对生活的热切向往。他生前的好友郁特里罗曾说马克莱是蒙马特最后的艺术家。这件《静思》就是艺术家人生态度的真实写照。他用明亮的色彩带给我们欢快的心情。作品构图并不复杂，桌上的物体没有占据大面积的画面空间，但感觉离我们非常近，就像一个特写镜头捕捉到的画面。前景的三个水果用鲜艳的颜色夺人眼球。左上角的那抹红色看似和绿色的背景毫不相干，但它和水果的红色前后呼应，平衡了画面。中间瓷瓶的造型略显圆浑壮硕，从远处看，它成了画面的主角，不仅占据中心位置，而且用蓝色的冷色调与整个环境形成了鲜明却不突兀的对比。如果不加思考的话，《静思》简直就是是悠闲生活的一个点缀，一个小品，镜子一样反射了我们内心雅致的情调；而它却是一颗饱受蹂躏摧残的灵魂献给人类的精神佳酿！当我们纪念马克莱时，我们内心满怀怜悯和敬重。本专题里最具力量感的作品当属普希京的《烙印》。用色厚重，笔触强烈，棕黑与暗红统领了画面。每个物体的轮廓被黑色粗壮的线条再次强调。黑色是神秘的颜色、象征的颜色，它将光线吸收，捉摸不定，神秘莫测，又暗藏了强烈的爆发力。这也是为什么画中的叶子看起来会像种子一样，粗旷，结实，孕育了即将爆发的生命力。艺术创作的结果总是与过程密切相关，总是与艺术家的生活和经历密切相关。要是你知道他曾从战俘营逃脱并徒步跨越波兰回到家乡，就不难理解为什么作品里面能够蕴涵如此饱满的力量。他的静物画，用的是表现主义手法。每样物体都圈上黑色，凸现在画面上，非常醒目。包含了日耳曼与法兰西两个民族的特色，具有不同一般的表现力。这或许与毕加索也有一定关系—他们俩曾在瓦洛里斯共同创作了七个月。总之这是一件不同凡响、不太常见的作品。米罗·沃基奇，是一位南斯拉夫裔的法国艺术家。他脸庞上如刀刻般的硬朗线条让人过目难忘。他在二战之后来到法国，开始了以表现主义风格为主的绘画创作。他的作品蕴含着一股波西米亚式的张力和激情，刚劲有力的线条，诗意般的画面，诠释了战后五六十年代巴黎的种种风情。艺术家最终定居在蔚蓝海岸，那里的风景也成了艺术家所钟情的入画主题。沃基奇在九十年代成为“捍卫造型艺术”协会主席，他也是著名法国艺术家汉斯· 哈同、雕塑家恺撒和著名雕塑家阿曼等人的好友。来看他这件《蓝色的烂漫》，给人紧张、激烈的印象。画家把红、黄、蓝三种绘画中的原色全部运用到一起。与其说画家用色彩描绘了一张花朵的图案，倒不如说画家通过描绘花朵进行了一场大胆的色彩游戏。颜色的对比浓烈刺激，就像冰与火的对峙。画家用笔也是棱角分明，每一笔都像是锋利尖刻的碎片，特别是蓝色的背景，如同一片片破碎的玻璃。这是否是一段伤心决绝的感情表白？曾经浓郁猛烈，爱憎分明，最后只留下“安得与君相决绝，免叫生死作相思”的心碎。纸上的油彩散发出幽蓝的金属光泽，指引我们去寻找最终的答案。供稿：艺融拍卖西画部专家组专家组成员：Philippe CINQUINI 法国夏尔·戴高乐大学艺术史博士朱萃加拿大蒙特利尔大学艺术史硕士肖洁法国布莱兹·帕斯卡勒大学艺术项目策划与管理硕士

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